O filme Michael, que conta a história de Michael Jackson, estreou no último dia 23, e trouxe reações mistas do público.

Enquanto alguns gostaram de assistir a história do Rei do Pop sendo interpretada pelo seu sobrinho, Jaafar Jackson, e dirigida por Antoine Fuqua, outros odiaram o filme, sua edição, seu roteiro preguiçoso e até as próteses usadas por Colman Domingo.

Eu ainda não vi o filme, mas, pensei em trazer aqui no Raplogia os samples de MJ usados no rap que eu mais gosto.

We're Almost There > Our Dreams (Meth • Ghost • Rae)

Durante o mês de julho de 2009, a notícia de que Ghostface Killah, Method Man e Raekwon iriam lançar um disco, chegou na internet através da MTV. Três dos melhores rappers do Wu-Tang estariam juntos para um projeto que veria a luz do dia apenas quase um ano depois, em março de 2010, com o título de Wu-Massacre.

O período de divulgação do álbum foi bastante intenso, com artworks muito legais sendo veiculadas, vídeos e sons vazados acidentalmente. Mas o primeiro single do projeto é o assunto de hoje: “Our Dreams”.

“Our Dreams” conta com - para mim - o melhor uso de um sample de Michael Jackson em uma música de rap. O single foi a única faixa do projeto produzida por RZA, e ficou marcada de um jeito muito especial.

RZA usou “We're Almost There”, parte integrante do último disco de Michael pela Motown, o Forever, Michael de 1975, como sample para o primeiro single do projeto.

Além do refrão, a base da música de RZA é construída com inúmeros elementos da faixa de Michael. Raekwon em entrevista na época, comentou que ficou extremamente surpreso ao ver a música integrar o álbum, pois não esperava que o sample fosse liberado. “Parece que querem que a memória dele fique viva,” disse o rapper.

Wu-Massacre é considerado um projeto que deixou a desejar por inúmeros motivos. Mas sem dúvidas ouvir a voz de MJ com alguns dos maiores rappers da história já valeu a pena.

PS: Childish Gambino também já rimou sobre o instrumental da mesma música.

I Can't Help It > Breakadawn (De La Soul)

O grupo De La Soul já havia usado Michael Jackson em seus discos, em 1989, por exemplo, usaram a voz dele para um skit de menos de cinquenta segundos. A faixa escolhida foi “Rock with You” do disco Off the Wall.

Anos depois, para a faixa “Breakadawn” do disco Buhloone Mindstate de 1993, eles escolheram outra música do Off the Wall, dessa vez “I Can't Help It”, para incluir melodias em sua introdução e combinar ela com “Quiet Storm” de Smokey Robinson.

Posdnous comentou que conectou as duas músicas ao assistir a performance de Smokey Robinson no especial de TV Motown 25 e coincidentemente ter a música de Michael Jackson em seu toca discos. Sua mente combinou as faixas e o resto é história.

O instrumental de “Breakadawn” era destinado à uma artista de Prince Paul, não ao grupo.

With a Child’s Heart > You Ain't a Killer (Big Pun)

O produtor Younglord combina as músicas “Summer Madness” do grupo Kool & the Gang com “With a Child's Heart”, de Michael Jackson, na faixa “You Ain't a Killer”, de Big Pun.

Pun foi um dos mais viscerais rappers dos anos noventas. Letras agressivas, instrumentais crus. Em “You Ain't a Killer” temos a demonstração perfeita disso.

A faixa foi feita para o documentário Soul in the Hole, de 1997, que conta a história de Kenny Jones e seu time de basquete em Nova York durante o verão do Brooklyn.

O filme independente teve uma trilha sonora repleta de artistas de rap da cidade de Nova York, entre eles, Big Pun, que através do produtor Younglord, rimou sob uma base com elementos da faixa “With a Child's Heart”, do disco Music & Me, lançado pela Motown em 1973, o penúltimo de Michael pela gravadora.

Human Nature > It Ain't Hard To Tell (Nas)

Nas finaliza a sua obra máxima, Illmatic, com a faixa “It Ain't Hard to Tell”, uma produção de Large Professor.

Esse foi o som mais comercial de Nas no disco, e inicia com sample de “Human Nature”, do disco Thriller. O rapper conta que ele tinha de fazer um som para as rádios no disco, então ele decidiu fazer o certo.

“Como Michael Jackson vai liberar esse sample? Oh, esqueci! Somos parceiros de gravadora agora,” citou Nas para a XXL. Ambos faziam parte do guarda-chuva da Sony.

Nas expressa uma grande depceção com o grupo SWV, que segundo ele, usou o sample depois dele e tirou o brilho da sua canção nas rádios.

Illmatic ficou para a história e um dos seus grandes sons, eternizado com a ajuda de MJ.

Maybe Tomorrow > All I Got is You (Ghostface Killah)

Wu-Tang novamente na lista, dessa vez para uma música solo de Ghostface Killah e para um sample dos Jackson 5.

Gosto muito dessa faixa de GFK pois ele fala da sua mãe, conta sua infância e faz um tributo à ela.

RZA, que produziu a faixa do disco de estreia do rapper, usou uma música do grupo Jackson 5 para construir sua base, usando basicamente ela toda como estrutura para “All I Got is You”.

“Maybe Tomorrow” é parte integrante do disco homônimo lançado em 1971 pela Motown, durante o ápice da Jacksonmania.

Essa é uma das listas de favoritos pessoais, afinal, é muito difícil elencar o melhor sample.

O que temos de concordar é que Michael Jackson influenciou e muito rappers e produtores desde o início do rap e certamente esse impacto continuará por muito tempo.

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Alguns já fizeram aniversário, foram celebrados; outros ainda vão comemorar o marco e serão relembrados aqui no Raplogia.

Trazemos hoje um guia de projetos que marcaram época e que completam trinta anos em 2026, explicando sua importância para o cenário e pontos icônicos de cada um deles.

📀 2Pac - All Eyez on Me

Em outubro de 1995, Suge Knight e Jimmy Iovine pagaram a fiança de um milhão de dólares de Tupac Shakur, preso na época por acusações de assédio sexual. O pagamento da fiança gerou um contrato com a Death Row Records, que consistia em três discos.

O primeiro deles foi o disco duplo All Eyez on Me, que completou trinta anos de idade no dia 13 de fevereiro, sendo talvez, seu disco mais famoso.

All Eyez on Me traz hits como “California Love”, “2 of Amerikaz Most Wanted”, “I Ain’t Mad at Cha”, entre outros. O projeto é longo - obviamente, é um disco duplo -, tendo cerca de 132 minutos.

Por que é importante: é o último disco lançado em vida por Tupac, que morreu em Setembro de 1996. O projeto é considerado um dos seus melhores trabalhos até então.

Pontos fortes: com orçamento grande, o disco trouxe produtores de qualidade e muitas participações. Além disso, All Eyez on Me trouxe a mistura perfeita entre o gangsta rap e o lado mais comercial do rapper. Disco repleto de história.

📀 Fugees - The Score

Muitos acreditam que The Score foi o primeiro disco do grupo Fugees, mas na verdade foi o segundo - e último.

O registro de maior sucesso do grupo encabeçado por Wyclef Jean completou trinta anos no dia 13 de fevereiro, compartilhando aniversário com o álbum anterior.

The Score foi o ponto de partida das carreiras solos de Wyclef e de Lauryn Hill, que dois anos depois lançaria seu primeiro e único disco solo extremamente bem sucedido.

“Fu-Gee-La” e “Ready or Not” são dois dos grandes sucessos originais do álbum, que ainda conta com versões feitas pelo grupo das músicas “Killing Me Softly” e “No Woman, No Cry”.

Por que é importante: o disco é o ápice de um grupo que lançou dois grandes artistas, Wyclef Jean e principalmente, Lauryn Hill.

Pontos fortes: a musicalidade no projeto é ótima, as releituras de clássicos trouxeram uma cara nova para eles, tornando-se grandes hinos.

📀 Bahamadia - Kollage

A cena da Filadélfia tem como um dos seus grandes nomes em Bahamadia, artista que com o disco Kollage, fez um clássico que completou trinta anos dia 19 de Março.

Fortemente ligada ao Gang Starr, Bahamadia gravou parte do disco no clássico D&D Studios e trouxe produções de DJ Premier.

Indo contra a frente das MCs do cenário do rap em 1996, Bahamadia trouxe as gírias de Philly e o jeito de viver daquela cidade, fazendo o rap local se tornar mundialmente conhecido.

Kollage é o caso de um disco que foi bem recebido em críticas na época, mas que comercialmente não obteve o mesmo êxito, porém, sua importância fica maior a cada ano que passa.

Por que é importante: o disco é o pé na porta de uma das MCs mais talentosas da história do rap. É uma carta de boas vindas excelentes que traz rap de qualidade e representatividade.

Pontos fortes: Kollage é um projeto que possui uma produção excelente, nível de grandes clássicos da época.

📀Busta Rhymes - The Coming

O primeiro disco solo de Busta Rhymes é sem sombra de dúvidas uma das grandes obras do rap nos anos noventa.

Vindo de um disco com o grupo Leaders of the New School, Busta preparou um super time para seu primeiro projeto solo, The Coming, que completou trinta anos no dia 26 de março.

Depois do fim do grupo, Busta assinou com a Elektra Records, lançando esse projeto através dela, da Violator e da própria gravadora Flipmode.

Após anos participando de músicas de grandes artistas do cenário, buscando encontrar seu estilo e preparar seu álbum de estreia, Busta Rhymes resolveu chamar grandes nomes para o projeto.

Além de Q-Tip, Keith Murray e Redman, que rimam no projeto, nas produções encontramos nomes como Easy Mo Bee, DJ Scratch e alguns dos primeiros instrumentais de J Dilla, junto do supergrupo de produção, The Ummah.

“Woo-Hah!! Got You All in Check” estourou, ganhou disco de platina, dominou charts, ocasionou brigas em clubes, e tornou Busta um dos maiores. O disco flutua entre o mainstream e o mais puro underground. CLÁSSICO.

Por que é importante: a carreira de Busta Rhymes teve um ótimo ponto de partida, e The Coming tem a importância de ter apresentado o rapper para o cenário de maneira solo. Esteticamente somos apresentados ao estilo de Busta, que influenciou vários nomes depois do lançamento.

Pontos fortes: é impossível não colocarmos o flow rouco, grave e ameaçador de Busta Rhymes como um dos pontos fortes do projeto. Mesmo com sua veia cômica, o rapper conseguia tornar suas músicas extremamente ameaçadoras.

📀JAY-Z - Reasonable Doubt

Um dos grandes clássicos do rap faz trinta anos no dia 25 de junho. O disco de estreia de JAY-Z, Reasonable Doubt.

Jigga vem, aos poucos, celebrando as três décadas do seu primogênito. Recentemente o rapper lançou a versão original de Dead Presidents na internet, com a mesma base feita por Ski Beatz, porém, com letras diferentes.

Ouvir o disco é mentalizar rimas cinematográficas como um filme mafioso. Inclusive, foi RD que popularizou o subgênero “mafioso rap” nos anos noventa, criando um movimento muito forte entre os rappers - principalmente de NY - que começaram a rimar com a mesma estética.

Além de Ski Beatz, temos DJ Premier e Clark Kent na produção de inúmeras faixas. É como se cada faixa do projeto fosse um clássico do hip-hop.

Por que é importante: é a estreia de um dos maiores artistas de rap da história.

Pontos fortes: a primeira fase de amadurecimento na carreira de JAY-Z acontece em Reasonable Doubt, fazendo ele sair de um rapper extremamente datado na primeira metade dos anos noventa, onde bebia da fonte de rappers dos anos oitenta.

📀De La Soul - Stakes Is High

Se JAY-Z através de suas rimas falava de um lifestyle luxuoso, com carros e bebidas caras, o quarto disco do grupo De La Soul faz uma crítica ferrenha contra essa parte da indústria.

O grupo internalizou a produção entre os membros e Stake is High se tornou o primeiro disco do De La sem a produção de Prince Paul, o qual o estilo não se encaixava com o conceito do álbum.

Todo o projeto é repleto a críticas a comercialização do rap dentro da indústria, artistas do gangsta rap e gravadoras. O colorido De La Soul traz um rap cru, liricamente e musicalmente, fazendo esse ser uma das suas maiores obras.

Os próprios membros do De La Soul produzem o disco, com alguns nomes participando dos instrumentais, entre eles, J Dilla, na faixa título do projeto.

Por que é importante: uma mudança de estilo de um dos maiores grupos da história do rap, fazendo o que é considerado por muitos o maior projeto da discografia do De La Soul.

Pontos fortes: o disco usa letras de crítica contra a comercialização do rap e une elas com a musicalidade mais crua. É um projeto extremamente maduro e um grito que abriria a porta para outros artistas, como Mos Def, que faz uma das suas primeiras participações aqui.

📀 Nas - It Was Written

Se há trinta anos JAY-Z lançava seu primeiro disco, Nas já estava no segundo. It Was Written foi lançado no dia 2 de julho para ser o sucessor do clássico Illmatic, que havia saído dois anos antes.

Considero o disco It Was Written um clássico, mas esse disco foi se tornando maior a cada ano. Com clássicos como “Street Dreams” e “If I Ruled the World (Imagine That)” com Lauryn Hill, o projeto traz uma grande mudança de estilo de Nas, que buscou um som mais refinado do que o antecessor.

Esse projeto também ajudou a popularizar o mafioso rap, com Nas apresentando o seu alterego “Escobar”, como se fosse um personagem de um filme de Martin Scorsese.

O rapper também evolui tecnicamente, com letras mais completas e refinadas. Seu liricismo evoluiu para algo como um filme épico. Letras muito mais detalhistas e bem trabalhadas. Essa mudança impactou a duração do disco, que tem 20 minutos a mais que Illmatic.

Por que é importante: solidifica a carreira de Nasir Jones como um dos principais rappers daquela década, fazendo a competição precisa elevar o nível para alcançá-lo.

Pontos fortes: um ponto forte do disco é a refinada produção. L.E.S. e DJ Premier estão de volta, reforçados de Dr. Dre e Trackmasters (que produz quase todo o projeto). Mas o ponto que mais considero forte nesse trabalho é a evolução lírica do rapper, que amadureceu muito.

📀 A Tribe Called Quest - Beats, Rhymes and Life

Trinta anos atrás o grupo A Tribe Called Quest não estava na sua melhor forma, e eles precisavam trazer o sucessor do clássico Midnight Marauders, de 1993.

O sucessor em questão foi Beats, Rhymes and Life, lançado dia 30 de julho de 1996 e traz o grupo em um recorte totalmente diferente.

O grupo trocou a leveza por mais profundidade, seja nos temas ou nas relações pessoais entre os membros. Tensões começavam a aparecer, novos associados também. J Dilla produz faixas como The Ummah, Consequence, primo de Q-Tip, aparece algumas vezes.

Tip assume um controle criativo maior, Phife Dawg aparece menos. A relação dos dois estava distante, principalmente devido a mudança de Phife para a cidade de Atlanta.

É um disco que recebeu críticas mistas e assustou o público devido a mudança de tom, aqui não tão bem aceita quanto a mudança feita pelo De La Soul, mas é um disco extremamente interessante para quem gosta do Tribe e da sua história.

Por que é importante: particularmente, gosto da mudança de tom, mas o que mais me chama a atenção aqui são as participações de J Dilla.

Pontos fortes: batidas mais minimalistas e um tipo de som que se tornaria muito comum no fim daquela época, misturando neo-soul com instrumentais de rap.

📀 OutKast - ATLiens

Assim como André 3000 disse: o sul tem algo para dizer. E ATLiens talvez seja o disco que escancarou essa mensagem para o cenário do rap norte-americano.

O segundo disco do duo Outkast é um dos seus mais emblemáticos lançamentos. Muito jovens, mas passando por fases profundas em suas vidas pessoais, Big Boi e 3 Stacks mudam a temática do projeto anterior, Southernplayalisticadillacmuzik, tornando ATLiens algo mais denso e aprofundado.

Os rappers falam da fama que foram alçados no rap, pobreza, solidão, de Atlanta. Os temas flutuam bastante e mostram o alcance lírico de cada um deles.

A sonoridade futurista trouxe uma imensa autenticidade para a dupla, é como se apenas eles fossem capazes de desenvolver um disco desse estilo. A produção de ATLiens é dividida entre o próprio Outkast e o grupo de produtores Organized Noize, que os acompanhou durante quase todos os discos lançados.

Eles tornam Atlanta algo extremamente tangível. É como se estivéssemos na cidade andando de Cadillac com eles e falando dos mais variados temas.

Por que é importante: é um dos primeiros discos do sul dos Estados Unidos a ter sucesso nacional e alcançar o topo dos charts, ele é extremamente importante para essa região.

Pontos fortes: é muito difícil destacar apenas um ponto forte do projeto, pois o conjunto da obra é excelente. Esse é um dos melhores projetos (talvez o melhor) dessa lista de discos que completam trinta anos em 2026. Letras fantásticas combinadas com uma musicalidade que envelheceu muito bem.

📀 The Roots - Illadelph Halflife

Illadelph Halflife não é um disco de hits gigantescos, mas prova que a musicalidade do rap pode ser tão incrível quanto outros gêneros e não perder sua verdadeira essência.

O terceiro disco do grupo The Roots sucede Do You Want More?!!!??! (1995) e antecede Things Fall Apart (1999) e acaba sendo levemente ofuscado por estar no meio de dois projetos tão icônicos.

As letras do grupo ficam mais densas, falam da vida urbana e das diferenças sociais. Black Thought se coloca como um dos maiores da história - mesmo que seja altamente subestimado.

O rap ganha ainda mais uma textura de jazz no projeto, se tornando uma marca registada do grupo.

Por que é importante: disco extremamente essencial para a caminhada do Roots e para o hip-hop da época, sendo eles artistas que criticavam o sistema que estavam inclusos assim como o De La Soul naquele ano.

Pontos fortes: Black Thought, sem dúvidas. Um dos maiores da história.

📀 Westside Connection - Bow Down

Durante a primeira parte dos anos noventa, Ice Cube dominou o cenário do rap com três clássicos consecutivos, porém, o gás deu uma terminada a partir de 1994, quando a treta entre as costas se iniciou e o rap americano virou um barril de pólvora.

A costa leste começou a ter mais visibilidade, e pensando nisso, Cube montou o grupo Westside Connection com Mack 10 e WC para “resgatar o orgulho” do oeste. Lembrando que era uma época em que o N.W.A. havia acabado e as tretas de Tupac e Snoop Dogg nos tribunais colocaram os holofotes para fora do rap.

Bow Down nasce com três rappers com muita lenha para queimar. A faixa título se tornou um clássico da costa oeste e os artistas fizeram questão de atacar nomes como Q-Tip, Common e Cypress Hill em “Hoo Bangin’ (WSCG Style)”.

Por que é importante: revitaliza o som da costa oeste em um ano extremamente turbulento - o disco sai um mês depois da morte de Tupac, por exemplo.

Pontos fortes: Ice Cube, sem dúvidas, estava em grande forma mesmo com seu último disco, Lethal Injection, não sendo bem recebido quanto os antecessores. Mas outro ponto a se destacar é a química entre os três rappers dentro do projeto.

📀 Ghostface Killah - Ironman

O plano de RZA para os rappers do Wu-Tang Clan a cada ano se tornava realidade, com lançamentos solos sendo extremamente bem recebidos pela crítica e público.

GFK solidifica seu estilo de rima fragmentado de vez. O que era visto em pequenas proporções nos discos do Wu ou em participações, aqui é visto em doses cavalares e torna tudo mais agradável.

A construção de Ironman casa perfeitamente com Only Built 4 Cuban Linx… como um multiverso construído por mentes incríveis. Os samples recheados de soul casam perfeitamente com as histórias contadas pelo rapper, criando um clima sombrio e emotivo.

O flow de GFK soa um pouco diferente devido o alagamento que atingiu os estúdios de RZA na época, fazendo com que o rapper precisasse regravar os vocais em outros estúdios com configurações completamente diferentes das que o produtor havia configurado anteriormente.

Por que é importante: é o primeiro disco de Ghosface Killah, um dos melhores e maiores rappers do Wu-Tang, durante a época de ouro de lançamentos solo do grupo.

Pontos fortes: apesar de ser um disco solo, é quase que um projeto colaborativo entre Ghost e Raekwon, que participa de 12 das 17 faixas. E a química entre os dois rappers é um dos pontos mais fortes do disco.

📀 Mobb Deep - Hell on Earth

A mudança estética e sonora que a dupla Mobb Deep obteve no disco The Infamous, mudou a carreira de Prodigy e Havoc. Os artistas encontraram um som único e com a evolução do rap da costa leste americana durante os anos noventa, eles lançaram o sucesso do seu clássico, o disco Hell on Earth.

A estética hardcore que a dupla criou é extremamente crua e casa perfeitamente com esse projeto, que é como se fosse The Infamous com esteróides, mesmo sendo alguns minutos mais curto.

O projeto sai no ápice da treta entre as costas nos Estados Unidos, e como vários outros discos dessa lista, possuem ataques. Em “Drop a Gem on ‘Em” a dupla ataca Tupac.

Eu gosto bastante de Hell on Earth pois, de alguma forma, é aqui que o grupo se solidifica de vez no cenário. Seu primeiro disco passou despercebido, o segundo é um clássico, e esse mantém o mesmo nível do anterior, obtendo um maior alcance comercial e trazendo as mesmas colaborações.

P e Havoc estão com raiva, criam uma estética sombria e mafiosa, o que em 1995-96 era extremamente comum - afinal, até LL Cool J tentou.

Por que é importante: solidifica o grupo como um dos maiores da época.

Pontos fortes: as rimas de Prodigy estão mais crueis e certeiras, mas o que mais me agrada nesse disco é como Queensbridge é um personagem a parte no álbum. Ninguém nunca representou essa quebrada como o Mobb Deep e Nas.

Existem histórias que só podem ser contadas por quem realmente as viveu, e, na filmografia de John Singleton, essa sensação atravessa seus filmes, especialmente nas três obras que hoje conhecemos como sua “hood trilogy”.

O diretor John Singleton iniciou sua trajetória no cinema na década de noventa, estreando com o grandioso e clássico filme Boyz n the Hood (Os Donos da Rua, 1991), escrito e dirigido por ele, baseando-se em experiências de pessoas que conheceu durante sua vida.

Formado pela University of Southern California (USC), John se baseou em Stand by Me (Conta Comigo, 1986) para escrever o projeto que até então era intitulado Summer of ‘84. Muitos elementos dessa inspiração estão na obra.

Um filme extremamente pessoal devia ser dirigido apenas por ele. Singleton foi super protetor com o roteiro, que poderia cair nas mãos de um diretor mais experiente - e talvez, branco e do outro lado do país. O filme é territorial, apenas uma pessoa preta que cresceu em Los Angeles conseguiria fazê-lo com maestria.

Stephanie Allain, mulher negra e pioneira na indústria, era vice-presidente de produção da Columbia Pictures na época, fez o pitch do filme para a empresa, que investiu na ideia e começou uma relação produtiva com John Singleton. A produtora sempre investiu em cineastas fora do comum estereótipo de Hollywood. Além de Singleton, ela ajudou no início das carreiras de Robert Rodriguez e Darnell Martin.

Singleton cresceu no infame South Central de Los Angeles, filho de pais separados, uma vendedora farmacêutica e um corretor de imóveis - elementos incorporados em seu primeiro filme.

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Vivendo em uma vizinhança violenta, Singleton, assim como o personagem de Cuba Gooding Jr. em Boyz n the Hood, foi morar com seu pai durante a adolescência, possibilitando que ele ficasse fora de problemas e tivesse foco em seus estudos.

Suas experiências possibilitaram um retrato vivido e cru das quebradas de Los Angeles vistos em sua estreia, que assim como citamos anteriormente, não poderia ser feita por mais ninguém além dele.

Boyz n the Hood trouxe um elenco desconhecido para a época - e a primeira oportunidade de atuação de um dos rappers mais estourados do momento, Ice Cube. Singleton escreveu Doughboy pensando no rapper, que aceitou o convite e iniciou sua carreira nas telonas.

Com um orçamento na casa de US$6,500,000, o filme arrecadou US$57,504,069 de bilheteria - sendo dez milhões no final de semana de abertura - e batendo a arrecadação de Do the Right Thing (Faça a Coisa Certa, 1989) de Spike Lee, que foi a principal inspiração para a Columbia Pictures.

O resultado, além de financeiro, elevou a carreira de Singleton, indicado aos Oscars de Melhor Diretor e Melhor Roteiro Original, que acabou perdendo para Jonathan Demme, por O Silêncio dos Inocentes, e Callie Khouri, por Thelma & Louise, respectivamente.

Boyz n the Hood tem um impacto no cinema extremamente grandioso. Popularizou o subgênero conhecido como hood movies, que conta as histórias das quebradas norte-americanas quase como um neo-blaxploitation.

Sua vida foi interrompida depois de um derrame em 2019, impossibilitando o diretor de ver sua última obra, a série Snowfall, ser finalizada. Sua carreira sempre foi muito respeitada e Singleton chegou a dirigir nove filmes, além de dirigir e criar séries de televisão.

Sua obra persiste e fica cada vez mais forte. E recentemente, algo que me deixou muito feliz, foi ver que a distribuidora The Criterion Collection lançou sua “Hood Trilogy” para compra no formato de mídia física.

Os produtos da The Criterion Collection trazem filmes, coleções de cineastas, projetos raros, lançados em alta qualidade para colecionadores e para preservação das obras, deixando um legado muito maior que o comercial.

Singleton se junta a grandes cineastas a terem coleções lançadas pela Criterion. Os filmes escolhidos pela distribuidora fazem parte da sua trilogia não oficial chamada “Hood Trilogy”, que consiste nos projetos: Boyz n the Hood (1991), Poetic Justice (1993) e Baby Boy (2001), todos ambientados em Los Angeles e com premissas semelhantes, mas ao mesmo tempo, muito diferentes e aprofundadas sobre aquela região.

Hood Trilogy, a trilogia não oficial de John Singleton

O termo trilogia nunca foi usado por John Singleton de forma oficial, fazendo com que classificar os filmes dessa forma, seja algo do contexto contemporâneo que eles se encaixam.

Todos seus três filmes são ambientados na mesma região de Los Angeles, mais precisamente do South Central, todos contam histórias de famílias negras passando por dilemas e pressões e todos são produzidos de uma forma quase que documental, com a câmera sendo um elemento natural na história, nos inserindo no cotidiano.

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Em contextos de produção, os filmes possuem estrutura similar: Singleton coloca atores iniciando suas carreiras como protagonistas, rappers importantes da Costa Oeste como coadjuvantes e ele “toma conta” da produção criativa dos três projetos, agindo como diretor, roteirista e muitas vezes produtor.

Em Boyz n the Hood, temos um filme extremamente pessoal, com elementos da sua vida pessoal sendo colocados como estruturas narrativas para explicar personagens. Singleton é Tre (Cuba Gooding Jr.) e Furious (Lawrence Fishburne) é o seu pai. Um homem extremamente inteligente que serve como narrador de temas que o filme aborda, como paternidade, gentrificação e violência. Ele fez isso com a naturalidade de quem viu aquilo de uma forma cíclica.

Outro personagem extremamente importante em Boyz n the Hood trata-se de Doughboy, interpretado por Ice Cube em seu primeiro papel na carreira, que em nenhum momento é retratado como vilão no filme, apesar de ter os mesmos comportamentos daqueles que são os verdadeiros. Ele é o retrato de uma criança que não teve figuras responsáveis por perto e que nunca teve esse direcionamento, sendo um produto lógico da sua criação.

A cena em que Ricky é assassinado é extremamente forte. O mais promissor é o primeiro a ser eliminado naquele ambiente hostil por ter mais a perder. Singleton deixa isso bem claro na forma que estrutura a linearidade dos fatos no filme.

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Já em Poetic Justice, o diretor muda o foco do homem para a mulher negra e faz uma história de superação de luto - que muitos confundem apenas como um romance.

Estrelado por Janet Jackson e Tupac Shakur, talvez a dupla mais poderosa a estrelar filmes de Singleton, o filme foi bastante criticado na época por ser comparado ao seu antecessor, Boyz n the Hood, e ser bastante diferente.

Justice (Janet Jackson) narra o filme com seus poemas - escritos na verdade, por Maya Angelou, que aparece em uma cena - e eles fazem parte da jornada da personagem como uma armadura para uma perda. Essa viagem até Oakland pode ser encarada no filme como a superação de um luto.

Sem dúvidas uma das melhores atuações de Tupac Shakur no cinema, trazendo camadas que flutuam entre comédia, drama e romance.

Para finalizar essa trilogia não oficial, John Singleton volta para o South Central de Los Angeles em 2001 com “Baby Boy”, com Tyrese Gibson como Jody e Taraji P. Henson como Yvette, sendo esses os primeiros papéis de protagonistas de ambos os atores no cinema.

Jody foi escrito com Tupac Shakur em mente, e devido a morte do rapper em 1996, o papel foi repassado para um jovem Tyrese. Seu antagonista, Rodney, interpretado por Snoop Dogg, originalmente foi escrito com Ice Cube em mente.

Singleton revisita temas já abordados em suas outras obras, mas aqui, entra muito na psique do homem negro e a ausência de modelos. Em Boyz n the Hood, temos Furious; em Baby Boy, não temos ninguém.

O personagem de Tyrese age como bem entende, sem responsabilidade e rumo. Melvin (Ving Rhames), age como um espelho de Jody, usando a intimidação para esconder uma fragilidade gigantesca.

É um filme psicologicamente denso, Singleton se orgulhava muito do projeto. Mostra sua evolução como cineasta e como homem. A recepção foi mista, mas o filme obteve melhor reconhecimento conforme os anos foram se passando.

Aos 23 anos, John Singleton escreveu uma influente obra do cinema norte-americano, e contou a realidade dos guetos de Los Angeles de uma maneira crua jamais antes vista. Observa-se como, ano após ano, projeto após projeto, o diretor evoluiu e nunca deixou de explorar a mesma temática, através de visões diferentes.

Singleton nos deixou muito cedo, mas suas obras, principalmente esses três filmes, estarão na nossa memória eternamente.

Boyz n the Hood - Disponível para aluguel no Prime Video.

Poetic Justice - Disponível através de métodos alternativos 👀

Baby Boy - Disponível na Netflix.

É uma relação de amor. Em 1985, o grupo Fat Boys lançou, com a produção de Kurtis Blow, a faixa “All Can You Eat”, que em cada uma das suas linhas fala sobre o mesmo tema: comida, muita comida.

Se o prato favorito de Rakim é peixe, como ele disse em “Paid In Full”, podemos complementar essa rima com “Niggas in Paris” de Kanye e JAY-Z, na qual o primeiro fala sobre o pedido de sua acompanhante na música ter sido filé de peixe - algo não tão sofisticado.

E é assim que podemos começar a falar de comida e hip-hop, ela é uma espécie de bragadoccio, da mesma forma que eles falavam de jaquetas Louis Vuitton estilizadas por Dapper Dan, Mercedes-Benz e alguns Adidas novinhos.

Mas ela pode falar muito sobre cultura, região e representatividade. Pesquisando sobre Anthony Bourdain para esse post sobre o Sain, descobri uma frase sua sobre comida que me chamou muito a atenção: “Comida é tudo o que somos. É uma extensão da sua história pessoal, da sua região, do seu bairro, da sua tribo, da sua avó. A comida é inseparável dessas coisas desde o princípio.”

Quando li sobre isso, pensei: mas isso é o rap. O rap é regional, é das quebradas. E tudo combina, pratos autorais com estilos de rimas característicos; a criatividade das mise-en-place e a parte artística da nossa cultura.

Pensando nessa relação quase que fraterna, o Raplogia preparou uma seleção de momentos do rap sobre comida que fazem parte da história e mostram muito sobre essa relação.

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A notória gastronomia de Biggie

Além das joias, carros e roupas, pratos caros sempre foram uma forma de ostentação entre os rappers norte-americanos desde a sua criação. Quando Biggie rima sobre um café da manhã de hotel em “Big Poppa”, ele não o cita apenas pelo sabor, mas pelo significado embutido.

Seu fim de noite e começo de dia precisa do melhor filé - apesar dos outros componentes da refeição não serem de certa forma algo tão sofisticado.

Anos depois, em seu segundo disco e um dos singles mais famosos, ele cita escargot após falar de sua grana: “I can fill you with real millionaire shit / Escargot, my car go one-sixty, swiftly”.

Mas dentro da carreira de Biggie, a comida faz parte também da sua jornada saindo da pobreza. Desde “chicletes de cinco centavos”, “leite com chocolate na escola” e comer “sardinhas no jantar” até os filés caros de madrugada. Tudo está devidamente documentado nas músicas.

É uma forma de observarmos como a sua jornada para a riqueza passa também pela comida.

Uma informação muito interessante é que T’yanna Wallace, filha de Biggie, abrirá em 2026 um restaurante em homenagem ao seu pai e suas raízes caribenhas em Nova York. A Big Poppa’s Steakhouse já teve um dia de prévias na cidade e em breve atenderá o público.

O clã gosta muito de comer

Muito antes de participar do Pizza Wars no canal First We Feast para provar pizzas inspiradas no Wu-Tang Clan, Ghostface Killah já falava sobre comida. Muitos consideram o rapper um dos maiores obcecados por gastronomia dentro do gênero.

O estilo de rima de GFK segue um fluxo de consciência que faz suas letras não se conectarem diretamente. Ele muda temas entre versos, criando um caos organizado enquanto pinta letras cinematográficas.

Em “Apollo Kids”, parte integrante do disco Supreme Clientele (2000), ele rima:

Em entrevista, ele deixa claro que gostava muito de ziti na época - assim como A.J. Soprano - e que a massa era como raps de qualidade. No mesmo papo, Ghost ele comenta que cita “morango kiwi” pois gosta de experimentar coisas novas - não sei como ele encaixaria isso, mas strawberry kiwi é um sabor comum em bebidas, inclusive da Welch's.

Um trecho que gosto dessa entrevista é quando o rapper fala o seguinte: “Eu estava pensando em um jeito de escrever sem ninguém saber o que eu estava falando, só eu mesmo”.

Esse é o jeito Ghostface Killah de rimar. Você tem de parar, ler, reler, interpretar. É complicado, mas é sem dúvidas um dos melhores estilos de todos.

Em toda a sua carreira, ele também sempre usou nomes de pratos ou refeições para falar de outras coisas - principalmente drogas. Em “One”, do mesmo disco Supreme Clientele, ele fala de pacotes de ravioli para referenciar maconha. Em “The Heist”, som de Busta Rhymes em que ele participa com Roc Marciano e Raekwon, ele fala de Hennessy (conhaque favorito dos rappers) usando a expressão “chocolate milk” antes de fazer coisas de gangster.

Rappers costumam falar de Hennessy, muitos de uma forma figurada, como Tupac na música homônima do seu disco póstumo Loyal to the Game (2004): “Foda-se o gin & juice, só bota um pouco da parada escura no meu copo”.

Mas não podemos mudar de tema sem falar da obssessão de Ghostface Killah por peixes. Em músicas como “Black Jesus” do seu disco de estreia e de “Buck 50” também de Supreme Clientele, ele menciona comer halibute frito e garoupa.

Seu primeiro disco tem uma música chamada “Fish” que fala: “We eat fish, tossed salads and make rap ballads", que pode ter diversos significados duplos, como sexo oral, droga de alta qualidade e conhecendo a mente de GFK, coisas que nem imaginamos.

Porém, sem dúvida alguma, é em Supreme Clientele que Ghost traz comida como um dos pontos mais presentes. No primeiro som do disco, “Nutmeg”, ele fala sobre:

• Frango frito crocante em Poughkeepsie;

• Torta de limão;

• Mingau;

• Costelas de girafa temperadas (ninguém come isso, é só pra falar que ele é exótico);

• Glacê com aroma de canela e nogueira;

Mas culinária - mesmo que exótica e imaginária - faz parte da carreira de Ghostface Killah como rapper. Muitos boatos falam que ele é vegetariano, assim como outros membros do Wu-Tang, mas Ghost diz que apenas faz um consumo consciente de carne.

O rapper participou junto de membros veganos do Wu-Tang em uma campanha para lançar o Impossible Burger, hamburger plant-based feito de uma parceria do fast food White Castle, com a Impossible Foods.

É simplesmente muita coisa. Ele vive suas letras, mesmo que elas sejam as mais aleatórias de todas.

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O chef mascarado

Jamais um cara com um disco intitulado Mm..Food estaria de fora da lista. O título do projeto é um anagrama para o seu nome, MF DOOM, mas o conceito culinário permeia o disco, como comentou o rapper em 2004 para a Spin: “é um disco sobre piquenique e coisas que você acha em mesas de piquenique”.

A tracklist do disco é basicamente um banquete: carnes, tortas, biscoitos, knishes, cervejas, gumbo e muito mais. O conceito é muito interessante e toda música traz uma referência à comida.

Em “Rapp Snitches Knishes”, DOOM fala sobre os rappers que se autoincriminam em suas letras, causando problemas para suas carreiras e gravadoras. Mas knishes são uma espécie de salgado da culinária judaica muito popular em algumas áreas de Nova York.

“Eu cresci em Nova York, então, os knishes eram parte da nossa vida. Quando escrevi aquele som, eu acho que eu estava com um dos meus manos e nós paramos para comer knishes naquele dia,” disse ele para a XXL. Ele ainda citou que “knish” rimava apenas com “rap snitch” (caguetas) e uma coisa levou a outra.

O vilão fez salgados com MCs que se autoincriminam.

MM…Food está repleto de referências culinárias que, na música, ganham outro sentido. É possível definir a relação de MF DOOM com a comida como algo muito natural: ela simplesmente estava presente em momentos da vida dele, e acabou virando algo.

Por exemplo, quando ele e Madlib foram gravar Madvillainy (2004), as sessões foram regadas a comida tailandesa - culinária extremamente popular em Los Angeles, uma das cidades que o disco foi gravado.

Os knishes também estavam lá em um momento normal da vida de DOOM, e viraram música. Assim como as hoecakes, famosas panquecas de milho, que eram comuns entre os povos africanos escravizados no sul dos Estados Unidos e acabaram virando algo cultural na mesma região.

O rapper nomeia uma das músicas de “Hoe Cakes” e traz outro sentido para elas, fazendo um trocadilho com a palavra hoe, que em inglês também significa prostituta. Um detalhe que pode ter sido também importante para ele definir o nome da música, é que DOOM morou em Atlanta por muito tempo depois de sair do grupo KMD nos anos noventa, e essas panquecas são bastante comuns por lá.

Ou seja, a comida é parte da vida de um super vilão.

Fuck, that's delicious!

Atualmente, sem dúvida, a relação mais famosa entre o rap e a comida é a do rapper nova-iorquino Action Bronson, que fez o caminho inverso.

Bronson é descendente direto de imigrantes da Albânia e cresceu com culinária em sua casa. Residente do Queens, um caldeirão cultural, o rapper desde cedo ajudava sua avó na cozinha como um profissional nato.

O rapper estudou culinária na Art Institute of New York e trabalhou no restaurante de comida mediterrânea do seu pai, onde recebeu anos de prática como chef. Action ainda trabalhou no Citi Field, estádio de baseball do New York Mets.

“Eu não tinha nenhuma aspiração a não ser o melhor chef do mundo,” disse ele para a Crack Magazine.

Sua carreira como rapper era um hobby, quando um acidente na cozinha quebrou a sua perna e o fez mudar de foco. Desde então o chef profissional ficou para trás, e a música virou seu principal ganha pão.

Ele incorpora suas referências culinárias em suas letras há anos, no maior estilo Ghostface Killah - inclusive sua voz é muito semelhante à do membro do Wu-Tang, o que já gerou maus bocados.

Seu estilo de vida, combinando comida de qualidade e rap, lhe deram um programa chamado Fuck, That's Delicious, na VICE, onde ele viajava o mundo provando pratos e conhecendo novas gastronomia. A VICE acabou, e ele continua com o programa no seu próprio canal do YouTube.

Além disso, Action Bronson escreveu livros de receita, onde ele conta histórias das suas viagens e ensina como preparar suas receitas favoritas.

Escolher suas melhores letras sobre comida é um trabalho árduo, mas que já foi feito pela equipe do Genius nesse artigo que mostrou a preferência do rapper por drinks, frutos do mar e queijos, além de referenciar mais a culinária italiana, francesa e a americana.

Bronson tem um repertório culinário global, mas sempre valoriza os seus. É comum em seu canal do YouTube vermos o rapper em locais simples de Nova York, valorizando a gastronomia de sua quebrada.

Não deixe de passar na Bay Area

A Bay Area é conhecida por ter inúmeros artistas lendários que mencionam comida em suas letras há décadas, de Mac Dre até Larry June.

E-40, um dos maiores artistas da área, sempre foi um entusiasta. Suas letras trazem referências à comida como sanduíche de manteiga de amendoim e geleia, até queijos caros.

Na faixa “Gouda”, ele usa o nome do queijo holândes, para falar sobre ganhar dinheiro. Afinal, “cheese” (queijo, em inglês), é uma gíria para grana.

A relação era tão profunda, que o rapper criou a Goon With The Spoon, uma empresa que inicialmente tinha foco em burritos, mas que agora também tem sorvetes premium no seu mix de produtos. A marca virou uma espécie de programa de E-40, que mantém o Instagram da empresa com receitas e ativações muito aleatórias.

Goon With the Spoon também é o nome do seu livro de receitas em parceria com Snoop Dogg, lançado em 2023. O rapper ainda foi dono de uma franquia da Fatburger, junto do ex-jogador da NFL, Chester McGlockton.

E-40 sempre está na rua com os seus, comendo e se divertindo. Comida é comunidade para ele, muito além de apenas um ganha pão.

O sul tem algo a dizer

Nos anos noventa, o sul começou a aparecer no cenário com atos como UGK, Scarface e Outkast. Juntos de Big Boi e André 3000, o grupo Goodie Mob também começou a fazer barulho no cenário junto do coletivo Dungeon Family.

Em 1995, o disco Soul Food marcou a estreia oficial do grupo. Produzido inteiramente pela dupla Organized Noize, o projeto foi cozinhado no estúdio de Curtis Mayfield, em Atlanta.

O nome do disco é uma referência à típica soul food de Atlanta, estilo culinário afro-americano do sul dos Estados Unidos, que é uma grande expressão cultural e símbolo de resistência.

A soul food é um tipo de culinária que traz pratos fartos, robustos e bem temperados. É um estilo de comida que é extremamente caseiro e apesar desse grande significado, é feito com ingredientes simples e comuns nas regiões.

A faixa título do projeto tem rimas extremamente regionais sobre a soul food e uma grande crítica aos fast foods feita por Cee-Lo Green:

Como Anthony Bourdain falou: “…da sua história pessoal, da sua região, do seu bairro, da sua tribo, da sua avó”. Talvez um dos maiores exemplos dentro do rap dessa frase seja sobre a soul food, que além do disco do grupo Goodie Mob, está presente em inúmeras outras referências.

Todos os rappers do grupo falam sobre a soul food de uma forma muito representativa. A capa do álbum traz todos os rappers sentados na mesa em uma oração, ou seja, aquele é um momento sagrado - comer soul food é um momento sagrado.

“Soul food é comida de entranhas, entende? É comida que gruda em você. Nós, como músicos e artistas sulistas, fomos criados com muito rhythm and blues e soul music. E levamos muitas dessas influências para a nossa música. Então, mesmo que às vezes estejamos rimando sobre carros, há muitas vezes em que falamos sobre coisas da vida real,” disse Bun B sobre o disco para a NPR.

O Goodie Mob usa a soul food como uma forma de mostrar suas raízes e mostrar para o cenário que o sul estava presente.

O tema é extremamente extenso e sempre irá nos faltar lembrar de alguma referência. Mas comida é cultura, assim como o hip-hop. Suas representações são regionais e muito fortes, falam de passado, presente e futuro.

Comida também é business, assim como o rap. É enorme a lista de artistas do gênero sócios ou afiliados a empreendimentos culinários por todos os Estados Unidos. Desde lojas de boba tea de Larry June até as wafflehouses de Nas ou franquias de frango frito de Rick Ross. A comida gera grana para artistas que rimaram tanto sobre elas durante décadas de carreira.

Comer é bom, e ouvir rap é melhor ainda. A combinação dos dois é a receita perfeita para unir duas cenas que, embora não pareça, têm mais semelhanças do que diferenças.

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Post original lançado em 31 de Março de 2020 no raplogia.com.br

A primeira vez que ouvi falar de Nipsey Hussle, ele ainda era um rapper em ascensão. Em 2010, foi um dos nomes presentes na indicação anual de calouros da XXL; Naquela edição, ele dividiu espaço com nomes como J. Cole, Wiz Khalifa, Freddie Gibbs e Jay Rock.

Nip chamou atenção devido ao fato de ser um rapper de Los Angeles, cidade que aos poucos renascia para o cenário do hip-hop. Entre 2010 e 2011, as mixtapes The Marathon e The Marathon Continues foram grandes lançamentos daqueles anos e o colocaram sob o radar dos grandes nomes.

Todo o corre de Nipsey era feito de maneira independente através da gravadora All Money In, fundada por ele após o término de seu contrato com a Epic Records.

Artisticamente, era um rapper extremamente talentoso, contava suas histórias nas quebradas de Crenshaw como ninguém. Socialmente, Nipsey sempre foi engajado, criava programas na sua comunidade e era um ícone no South Central de Los Angeles. De forma estratégica, ele começou ganhar nome com o lançamento de Crenshaw (2013) atraindo os olhares de JAY Z. Em sua terceira mixtape pela própria gravadora, agora mais estabelecido, resolveu inovar. Vendeu-a por cem dólares e em 24 horas conseguiu faturar o valor de U$ 100,000, criando um recorde dentro do cenário.

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Gastando 75 centavos para produzir cada CD da mixtape, ele lucrou mais de 1300%:

“É 2013. Quer aceitemos ou não, comprar música é uma escolha, não um requisito. Quando penso na psicologia por trás do que me faz comprar um álbum de artistas, é sempre uma forma de retribuição. A razão pela qual eu escolhi cobrar 100 dólares por unidade e só começar com 1000 unidades, é porque eu costumo fazer minhas músicas para aqueles que estão ouvindo. Não se trata de sair fora da minha zona na esperança de novas descobertas. Cada vez menos os fãs estão sendo bem tratados. Estou focado em servir aqueles que estão conectados. Dito isso, é algo de valor acima do volume. Eu não vou oferecer um produto feito sem compromisso ou concessão para as plataformas. Então a forma que vendemos tem de mudar.”

Quando JAY Z ouviu da estratégia, comprou mais 100 cópias da mixtape. A partir de então, ele começou a ser ainda mais respeitado dentro do cenário e tornou-se um grande estrategista da sua carreira.

Entre Crenshaw e seu disco de estreia ele agraciou os fãs com a mixtape Mailbox Money (2014). Seu contrato com a Atlantic garantiu grandes nomes para seu disco de estreia, Victory Lap (2018). YG, Puff Daddy, Kendrick Lamar, The-Dream e Cee-Lo Green. O visceral estilo do rapper tornou o disco um dos melhores álbuns do ano e também um dos grandes trabalhos da Costa Oeste na última década. O ápice da sua “volta da vitória” foi a indicação ao Grammy de Melhor Disco de Rap em 2019. Mesmo perdendo para Cardi B com Invasion of Privacy, era notório que grandes coisas estavam por vir.

O legado como líder nas comunidades

A vida em Crenshaw sempre foi bem retratada por artistas como Ice-T, Dom Kennedy, Kurupt, e vários outros nomes. Em 1991, o bairro foi o cenário do clássico filme de estreia de John Singleton Boyz n the Hood, que mostrava uma violenta realidade no local.

Mesmo nesse cenário, Nipsey Hussle sempre quis inspirar os mais jovens e elaborar formas de muitos deles terem novos destinos que não fossem gangues, violência e crime. Próximo a sua morte, ele havia agendado reuniões com a polícia de Los Angeles para discutir violência com armas de fogo.

Ele buscava também desenvolver negócios na Crenshaw Boulevard, fazendo com que todos eles fossem de empreendedores negros. Ele foi alvejado na frente de sua loja, Marathon Clothing, que é localizada em um centro comercial no qual o rapper estava investindo.

Seu principal objetivo era impulsionar e beneficiar a comunidade negra com investimentos e negócios próprios, e através da iniciativa Our Opportunity ele gostaria de desenvolver isso em várias cidades americanas.

Além de estar próximo a todos esses negócios, ele se envolveu nas primeiras conversações para desenvolvimento do museu Destination Crenshaw, que traz uma experiência cultural para as pessoas na Crenshaw Boulevard. O museu frequentemente celebra artistas negros e faz exibições de trabalhos que contam a história da comunidade.

Também pensando em sua comunidade, Nipsey havia doado dinheiro para a 59th Street Elementary School em Los Angeles. Essa quantia foi doada para serem comprados tênis, revitalizar quadras de basquete e playgrounds.

A realização desse investimento deve-se ao próprio Nipsey ter sonhos quando mais jovem e não ter estrutura para isso ocorrer. Dessa forma, ele buscou ser uma plataforma de impulsos para os jovens iniciarem caminhos para os seus sonhos se tornarem realidades em um futuro bem próximo.

Nipsey Hussle nunca abandonou seus iguais. A comunidade a qual ilustrava através de suas letras, era também o que o motivava para alcançar objetivos dentro da música. O retorno para Crenshaw era uma forma do rapper agradecer e também não querer ver crianças e adolescentes tomarem rumos para a violência de gangues, bastante comum na região e que fez parte da vida dele.

Essa consciência em prol da comunidade cresceu em Nipsey Hussle após ter levado seu pai para uma viagem na Eritreia, país natal dele que fica localizado na África Oriental. A nação foi uma colônia italiana até 1942, e anos depois seria anexada à Etiópia.

Após ter ganhado uma grana trabalhando nas ruas, Nipsey levou seu pai e irmão para essa viagem em 2004, quando tinha 19 anos. Foram três meses por lá, onde o rapper conheceu uma realidade extremamente diferente da que vivia.

“Eu vi pessoas em posições chave como presidentes, governantes, polícia, todos da mesma cor. É um país controlado pelas pessoas. Sem classe racial, todos se sentem parte dele,” disse Nip para Complex em 2010 sobre sua viagem.

Em sua volta para os EUA, ele viu como as coisas poderiam ser em Crenshaw e em muitos outros lugares da América. A partir de então sua visão foi a de impulsionar negócios, pessoas e toda a sua comunidade.

O que ficou musicalmente

Depois de Victory Lap, sua carreira iria naturalmente se tornar sólida. O projeto de estreia foi muito além do esperado e rendeu ao rapper uma nomeação ao Grammy e mais atenção dos grandes nomes do cenário.

Após sua morte, o disco voltou aos charts ficando atrás apenas de Billie Eilish em Abril do ano passado. Em Janeiro de 2020, o certificado de platina marcava a casa dos milhões de cópias vendidas.

O primeiro single de Nipsey em 2019 foi “Racks in the Middle“, com Roddy Ricch e produção de Hit-Boy. O impacto da música foi imenso e em 2020, levando o Grammy de Melhor Performance de Rap, recebido por sua viúva Lauren London e restante da família.

Um dos nomes mais emergentes do jogo, Nipsey teve sua ascensão freada em frente à sua loja, mas o seu legado será eterno e fará muitas outras pessoas darem a volta da vitória.